MAL

La discusión en torno a la naturaleza humana es quizá uno de los temas más complejos y fascinantes de los que se puede hablar, de las profundas ideas de San Agustín en torno al alma, el libre albedrío y el amor, las consideraciones de Hobbes y Rosseau hasta las interpretaciones contemporáneas el asunto no tiene señas de poder ser concluido; Edén Coronado aporta su visión personal con Mal, montaje escrito y dirigido por él mismo que recién se estrena en el teatro de El Rinoceronte Enamorado.

En un espacio cerrado y asfixiante en el que los espectadores nos colocamos como si estuviésemos presenciando un laberinto para ratas o peor, el escenario de una pelea de perros, tres personajes giran en torno a una historia aterradora para llevar al público hacia la reflexión sobre la maldad, algo que dejan claro desde el preámbulo –a mi gusto innecesario- en el que los actores antes de meterse al personaje dan los antecedentes para que conozcamos el antecedente de la pieza y su propósito.

Edén elige prescindir de los múltiples ejemplos de maldad que nos son comunes en la vida cotidiana en México para establecer un discurso universal a partir de uno de los casos que más han marcado a la opinión pública mundial en los años recientes, el del Monstruo de Amstetten, Josef Fritzl, el austriaco que durante 24 años mantuvo secuestrada en el sótano de su propia casa a su hija, con la cual procreó siete hijos hasta que fue descubierto en 2008. Puesto el tema y la intención, Karina Díaz como la hija, Mauricio Jiménez como el padre y Jesús Coronado como el diablo nos llevan a un estado incómodo a través de diálogos de espina espesa salpicados con referencias de José María Pérez Gay, Caryl Churchill, José Saramago, Pico Della Mirandola y Alexander Sokurov; hay un estado de violencia permanente aún incluso en los pocos momentos en que la protagonista se esconde en su cabeza para encontrar paz, la realidad vista a través del tamiz de una ficción creada por el autor para indagar lo que pudo haber sucedido en esos veinticuatro años de degradación mental de padre e hija que apreciamos gracias a la solvencia en el trabajo de los tres actores.

En cada uno encontramos elementos de razón intermitente, nada es absoluto, ni siquiera la maldad del padre que abusa física y mentalmente de su hija de manera sistemática, a fin de cuentas ¿no se dice que todo lo justifica el amor? La hija es una víctima, eso es muy claro, pero ¿Qué hace para detener su infierno? Razones hay de sobra para que como espectadores justifiquemos cualquier método que use para liberarse. Y el diablo, pues vaya, resulta que a la conciencia no podemos atribuirle moralidad alguna ¿Pero ello es malo o sólo nos permite mantener al límite nuestra cordura?

El diseño escenográfico y la iluminación son concretos y austeros para dejarnos concentrar en el trabajo de escena, resulta ingenioso el planteamiento de dos niveles de butaquería, de los cuales al superior se llega a través de una escalera de mano, aunque la verdad es que es un tanto incómodo ya que las sillas no resultan suficientemente altas para ver las acciones sin que ello represente un castigo para la espalda, ojalá esto pueda resolverse pronto, ya que es muy interesante ver la obra desde un ángulo superior.

El trabajo de Coronado como director también se ha ido depurando y eso es plausible en función de la competitividad deseada para con los realizadores del estado, que recién pudimos apreciar en la pasada Muestra Estatal de Teatro con resultados poco alentadores y que en breve podremos contrastar en la Muestra Nacional a realizarse en noviembre.

En el bosque

La evolución del teatro, que como la de la vida misma hemos visto crecer y cambiar de manera acelerada en las últimas décadas, nos ha traído hasta un momento en que las definiciones resultan por demás ociosas, útiles tal vez para los estudiosos y quien por pretensión quiera ubicarse en tal o cual lado. Así En el bosque, escrita y dirigida por Víctor Ortiz puede situarse en ese espacio ubicuo del espectáculo escénico actual.

¿Expresionismo? ¿Posdramático? Yo no me atrevería a encasillar una historia que aparentemente se desarrolla de manera lineal, simple: un trastornado afilador habita en el bosque cerca de una mujer que vive con su hija, el mantiene una obsesión para con la pastora que al parecer no es indiferente, un acercamiento furtivo descubierto por la niña llevará el frágil equilibrio a la locura.

Las acciones se desarrollan sin que los actores emitan frase alguna, es un completo ejercicio de expresión corporal con lo que se comunican con el público y lo hacen muy bien, las acciones físicas marcan la progresión dramática logrando al mismo tiempo momentos muy plásticos, el trabajo mayor lo lleva Antonio Orta, el afilador, sin que decir ello implique que lo que hacen Irma Alvarado, Marieta, y Carmen Valles, Lalash sea menor.

Interesante la propuesta de Ortiz, quien es también el artista potosino más activo en la Muestra Estatal de Teatro que con este montaje inició en San Luis Potosí, catorce veremos en total, ya se irán comentando.

(La foto está tomada sin permiso del muro del estimado Antonio Retana)

Oscuro

El preámbulo para el arranque de la Muestra Estatal de teatro, que después de varios años de ausencia se vuelve a dar en San Luis Potosí se da con la presentación -única, desafortunadamente- de Oscuro, tercer montaje de Compañía de teatro del Instituto Potosino de Bellas Artes y una experiencia revitalizante al teatro del estado, aunque el mismo esté casi ausente en la puesta.
Bordeando vagamente (intervención libre, dice en el cartel) al Otelo de Shakespeare, tres personajes disertan en un incierto paraje sobre las relaciones humanas, el poder, la violencia y los demonios internos. Des (Luciana Silveyra) una Desdémona bragada y manipuladora, Otter (Ricardo Esquerra) como un Otelo que trata de ser cerebral pero está nublado por las pasiones y Jako (Plutarco Haza), el Yago desparpajado y ambicioso conforman este trío atrapado en un pedazo de desierto que puede ejemplificar lo seco de sus propias vidas.
La puesta en escena planteada por parte de Marco Vieyra muestra buena mano al distribuir el trazo de manera que el espectador se mantiene siempre atento pese a la excesiva verbalidad de algunos monólogos, el trabajo de los actores ha sido bien aprovechado y la composición de escenografía y vestuario, a cargo del experimentado Philippe Amand enmarca a la perfección un trabajo que va directo a los sentidos, que no apela a una progresión convencional porque transita en una línea espacio-temporal paralela a la nuestra aunque cercana como para saber que de lo que hablan nos atañe de manera directa.
El texto es obra de Edgar Chías, uno de los talentos nacionales de la generación que abre este siglo y en él se ven reflejadas constantes de su obra como la reflexión en torno al sinsentido de la violencia, los roles femenino-masculino en sus polos positivo y negativo y la lucha de poder en general, tanto de manera simbólica como explícita.
Uno de los elementos más atractivos es la presencia de un caballo blanco manejado por Claudia Florescano y el rejoneador Enrique Fraga, al que le he dedicado atención aparte porque presenta al mismo tiempo un acierto como un exceso. Hay momentos en que la aparición tiene una significación específica que enriquece -la aparición de Des, el ascenso de Jako- pero en otros se torna meramente ornamental al grado que se llega a predecir el momento en que saldrá, lo resalto porque creo que llega a afectar al conjunto de la obra al acercarla al mero espectáculo visual, algo injusto para un trabajo conjunto que merece reconocimiento.
Finalmente, hay que reconocer también la intervención de Víctor Ortiz como El hombre, rol que pese a su brevedad nos permite disfrutar de sus capacidades físicas. El diseño sonoro en vivo por parte de Juan Pablo Villa y el vestuario de Carmita Soria son otros aciertos del montaje. La obra se ha inscrito para la eliminatoria de la Muestra Nacional de Teatro que se llevará a cabo por segunda ocasión en noviembre de este año en la capital potosina, esperemos que libre esta etapa y la podamos ver de nueva cuenta, esperemos también que la competencia le sea dura y que ello signifique la recuperación de un nivel perdido en el estado y el país.

LA MUESTRA NACIONAL DE TEATRO

Si es cierto que la anterior Muestra nacional de teatro fue tan desastrosa como se dice, podemos sentirnos afortunados, pues dos años más tarde encontramos una que se caracterizó por un nivel de regular a bueno; claro, hubo varias obras que no llegaron al rango, pero el promedio impone.
De entrada me pareció significativa Lascurain, o la brevedad del poder, de Flavio González Mello, en la que el texto se vio muy superior a la dirección e interpretación. Y digo que me parece significativo porque el mismo fenómeno se pudo apreciar en otras obras presentadas, como en Las chicas del 3.5 floppies, dirigida por César Aristóteles, donde las actrices desaprovecharon un texto entrañable con una actuación transformada en declamación que solo en ratos conseguía atraer la atención.
La extraordinaria El Veneno del teatro, del catalán Rodolf Sirera, mantiene una calidad más que aceptable, aunque cuenta con baches tanto en la interpretación como en la dirección, que está a cargo de Neftalí Coria, de los que se salva básicamente porque se trata de un texto sin mácula.
Sobresalieron por su calidad integral La señora Macbeth, de Griselda Gambaro con dirección de Ángel Norzagaray –cabe señalar, sin embargo, que poco habrá entendido el espectador que no conozca la obra de Shakespeare-; Mestiza power, dirigida y escrita por Conchi León y El dolor debajo del sombrero, de Martín Zapata. Escuché también muy buenos comentarios de Adiós querido Cuco, dirigida por Perla Szchumacher y debido a fallas en la logística, que nunca específico que para algunas de las obras además del gafete de prensa era necesario contar con boleto, me perdí Noche árabe.
Por el lado del estado anfitrión hubo pocas sorpresas, la ausencia del gremio teatral potosino al homenaje realizado a Jesús Coronado era algo de esperarse, tanto como la ausencia al resto de la muestra en general por parte de los directores, que continúan parados en su pedestal sin voltear a ver al resto de los mortales que con poco se conforman y no son capaces de apreciar a cabalidad su trascendental obra.
Merced a esta actitud luego se padecen desfiguros como la patética protesta de los alumnos de la escuela estatal de teatro, quienes siguen sin querer ver que, efectivamente, Cabaret trágico cuenta con varios aciertos, pero no se comparan a todo lo que hay que arreglar para hacer de esta un montaje de calidad.
Igual sucede con Páramos de luz, la obra seleccionada como representante de nuestro estado, que adapta tres textos de Juan Rulfo en un espectáculo surrealista donde convive Pink Floyd con la danza del venado y campesinos que no tienen acento ni de Matehuala ni de Jalisco, sino de película mexicana. Sigo convencido de que el jurado debió declarar desierto el lugar en la selección y que si seleccionó a esta fue por mero compromiso.
Otros aspectos negativos que se deben señalar es la nefasta actitud de algunos funcionarios de la Secretaría de Cultura que pusieron el mal ejemplo con el celular encendido y, peor aún, contestando llamadas en plena función; los camarógrafos que grababan las obras con la pantalla encendida y los necios fotógrafos cuya baja capacidad seguramente los obliga a usar flash para tomar sus placas. Destacó también de manera deplorable la ausencia de cobertura por parte de los medios de comunicación, que siguen desdeñando a la cultura y se limitan al cuestionamiento de presupuestos o dar seguimiento a las bombas cebadas que de cuando en cuando avienta algún artista despechado.
En el lado contrario, Fernando Betancourt merece un amplio reconocimiento por su labor, contracorriente y contrapresupuesto, para presentar una Muestra digna, que además innovó con un órgano informativo propio –que no autocomplaciente- como fue el Diario de la Muestra y sobre todo, con la creación de una variopinta “Muestra alternativa” en la que con entusiasmo y casi sin dormir participaron un gran número de actores locales, ya en la parte técnica, ya ellos mismos subidos en el escenario.
La experiencia fue buena, el mérito, de unos cuantos a los que hay que agradecer el esfuerzo.

Comedia sin solución

Cuando escuchamos la tercera llamada en el teatro sabemos que es momento de acomodarse en el asiento y guardar silencio para que, después de un breve oscuro total, inicie la función; pero ¿que sucede cuando ese oscuro se prolonga más de lo normal? ¿cuánto tiempo es razonable antes de sentirnos incómodos?
Pasa más del que quisiéramos antes de que un fugaz destello nos de algo de calma en Comedia sin solución, obra de Germán Cueto que a pesar de haber sido escrita hace casi 80 años se mantiene fresca como propuesta teatral, innovadora aún porque pocos en nuestro país se han atrevido a experimentar con la dramaturgia de esa manera.
En la vasta capacidad creadora de Cueto es innegable la influencia que ejerció en él el movimiento futurista italiano, lo cual es apreciable tanto en sus máscaras como en la escultura y en algunas de las obras de teatro salidas de su mano. La referida Comedia (que del género sólo tiene el nombre) es un buen ejemplo de ello.
Los futuristas acuñaron el término de “Teatro sintético futurista” en un manifiesto homónimo publicado en 1915. Lo explicaban como un teatro de acciones breves, que en pocos minutos, con gestos y palabras mínimas, encerraran innumerables situaciones, sensaciones, ideas y símbolos; condenaban la representación realista, privilegiaban los escenarios desnudos y rechazaban que el público debiera saber o comprender que es lo que sucedía en la escena.
Marinetti, padre del futurismo, consideraba que el argumento era totalmente innecesario y que el leit motif de la gente de teatro debía ser la invención incesante de nuevos elementos de asombro. Los futuristas, con su idea de “introducir puñetazos en la batalla artística” probablemente buscaban acabar con la pasividad del espectador e involucrarlo de manera directa en la acción a través de una situación extrema y eso mismo, pero a nivel interno, como una implosión devastadora, genera Cueto con su obra.
Reservado como señalan que era, la trasgresión en Cueto se demostró no en su comportamiento, sino en el espíritu de sus obras, lo que en su personalidad era contenido, en su trabajo se desbordaba; eso se refleja perfectamente en Comedia sin solución, donde la intrascendencia aparente es en realidad lo que sacude al espectador, que lo confronta consigo mismo y lo lleva a vivir una experiencia memorable.
A medida que avanza la obra los personajes tratan de tender un lazo entre ellos, insostenible por endeble; buscan la manera de aparentar una normalidad ante su situación absurda e inquietante y finalmente claman desesperadamente por la luz, en tanto que el espectador confronta la experiencia de manera personal, sin la mínima posibilidad de enfrentar este hecho teatral como algo colectivo.La obra se está presentando en el Museo Federico Silva. Escultura Contemporánea como parte de las actividades complementarias a la exposición La Memoria Como Vanguardia, dedicada al maestro Germán Cueto. El montaje es de Fernando Betancourt y cuenta con las actuaciones de Gabriela Betancourt, Antonio Orta y Víctor Ortíz. Vale la pena experimentar esta Comedia sin solución, pocas veces podremos tener una experiencia similar en el teatro.

MATÍAS Y EL PASTEL DE FRESA

Las becas del Fondo Estatal para la Cultura y las Artes siempre han sido motivo de cuestionamientos, por un lado de quienes no las reciben y siempre ven en ello mano negra y por otra de quienes nos preguntamos que pasa con los resultados que se supone deben mostrar los becarios, de ahí que siempre es imperativo ver la presentación de los efectos de este apoyo.

En ese sentido, la presentación de “Matías y el pastel de fresa” resulta doblemente atractiva, ya que además de ser consecuencia de una beca, es el primer trabajo formal como director de Mario Rocha, un teatrero surgido hace una docena de años de la próspera cantera que son los COBACH, en el que opta por el teatro de marionetas con bastante tino en la orquestación de esfuerzos que requiere el ser director.

La obra es una adaptación de Enrique Ballesté a una historieta muda original de Palomo, dibujante de grato recuerdo para quienes disfrutamos a principio de los años 80 de las ilustraciones que junto a las de Dzib, Sergio Arau y otros embellecían los libros de textos de primaria antes de que la SEP diera otra muestra de su absurda obsolescencia al desechar el arte y cambiarlo por las imágenes simplonas que aparecen ahora.

Hago hincapié en las ilustraciones porque en la obra es notable la influencia que Mario ha tenido de las historietas, así como de las marionetas creadas por Jim Henson y hasta en el viejo programa de Juan Sinmiedo, lo cual se puede apreciar en la manera en que plantea los cuadros y coreografía a los personajes, algo que quizá los niños que asisten a las funciones no alcancen a apreciar por cuestión generacional, pero que es un grato extra para los treintañeros.

La historia es sencilla: en medio de la noche al pequeño Matías se le antoja una rebanada de pastel de fresa que está en el refrigerador, así que se dispone a ir por ella; él sabe que eso no es lo correcto y lo comprobará cuando el camino de su habitación a la cocina se convierta en una odisea en la que intervienen un simpático monstruo azul, varios seres fantásticos y hasta Batman, el Hombre Araña y Superman en un breve cameo, no muy heroico por cierto.

Dentro del conjunto de aciertos, destaca también el trabajo de los actores que dan vida a marionetas y botargas, ya que ninguno de ellos tiene experiencia amplia en el género y sin embargo desarrollan un trabajo muy respetable que atrae la atención de los niños y motiva su participación activa.
Enhorabuena por Mario Rocha, ojalá que en sus siguientes trabajos mantenga el rumbo marcado con esta obra.

Del Concurso Estatal de Teatro (y II)

La semana anterior comentaba las obras que a mi parecer fueron las más rescatables del Concurso Estatal de Teatro y cómo estas eran fiel muestra de la ausencia de autocrítica en nuestro teatro.
A fin de cuentas, el jurado decidió seleccionar a Páramos de luz, homenaje a Juan Rulfo, una paráfrasis de Manuel Arista a varios textos del autor jalisciense que no tuve oportunidad de ver, pero de la cual no obtuve muy buenas referencias y no figuraba en las quinielas que se hicieron (de hecho la apuesta con mayor inclinación era la de que se iba a declarar desierto el concurso).
De ahí en fuera, el resto de las obras tendría que ser ampliamente analizado. Sólo por mencionar al vuelo algunos casos representativos: "Los héroes de papel no han muerto", presentada por la Compañía de Teatro del IPBA testimonia mediante la pena ajena la urgente necesidad de renovar los anquilosados planes de estudio (y los docentes) de Bellas Artes, un problema que desafortunadamente ya tiene varios años sin tomarse en cuenta.
"La reina de la lucha", producción de la UASLP con la Agrupación artística Doble Espacio, no tuvo pies ni cabeza. Lo que intentó ser un espectáculo multimedia terminó en una caótica ejecución donde el elemento menos presente fue el teatro.
"Deseos", de la Compañía de Teatro Hijos de Hussein quiso mostrarse como una puesta fuerte y controversial acerca de la miseria, los vicios, la prostitución, etc. y acabó siendo una cruza entre Guía de padres y Mujer, casos de la vida real.
Paradójicamente, el año pasado compitieron para representar a San Luis Potosí en la Muestra Nacional las obras "Noche", de El Rinoceronte Enamorado y "La Gorda", de La Carrilla, dos piezas de muy buena manufactura, bien dirigidas, producidas e interpretadas y sin embargo el jurado (en el que estuvo presente Otto Minera, jurado también este año) determinó que ninguna de las dos contaba con la calidad suficiente para presentarse en la Muestra Nacional y nos quedamos sin participación. Lo anterior me lleva a pensar que la razón de haber seleccionado una pieza responde solamente a evitar salirle a los grupos de otros estados con que la sede sólo tendría un representante por la baja calidad mostrada en la etapa de selección.
Ojalá que tanto Manuel Arista como Jesús Coronado se pongan a trabajar para pulir sus respectivos trabajos y de esta manera salir avantes en la Muestra Nacional de noviembre.

Del Concurso Estatal de Teatro (I)

dHace 11 años, durante la lectura del dictamen del Concurso Estatal de Teatro, Rodolfo Obregón, presidente del jurado, señaló la baja calidad de las obras presentadas y advirtió la necesidad de contar con una mejor preparación para quienes practicaran teatro en San Luis Potosí en general. A los grupos obviamente no les gustó esa percepción del jurado y lo acusaron de vendido. Desde mi punto de vista las apreciaciones, aunque agarraron parejo, tenían mucho de ciertas, incluso faltó señalar la incapacidad para la autocrítica, que es uno de los principales defectos de los artistas locales.
Ahora en 2005, después de varios años de no hacerse de esa manera, se organizó un concurso para seleccionar una de las dos obras que podrán representar al estado en la Muestra Nacional de Teatro que se llevará a cabo en esta capital en noviembre. A la convocatoria respondieron 21 grupos -varios de ellos con una trayectoria prácticamente desconocida-, se designó al Teatro del IMSS como sede principal y se decidió que se llevaría a cabo de manera maratónica en apenas 5 días.
Establecido lo anterior, nos dispusimos a ver teatro.
Desafortunadamente el Concurso fue una penosa muestra de las carencias del teatro potosino, en esos cinco días fuimos testigos de la triste realidad que los directores locales, inmersos en la vanidad, se niegan a aceptar: San Luis necesita terapia intensiva. Lo más sorpresivo es que prácticamente se trataba de los mismos directores de hace 11... cometiendo exactamente los mismos errores de hace 11 años.
De las 21 obras inscritas en el concurso no hubo una sola que destacara por su calidad, y si bien no todo fue malo, son pocas las que salieron medianamente airosas. Cabaret trágico, de Alexandro Jodorowsky, presentada por el grupo Encontrandonosotros, dirigido por Marco Zapata, fue para mi gusto lo más rescatable. El montaje se compone de una serie de cuadros donde los elementos primordiales del movimiento pánico (terror, humor y simultaneidad) son el punto en el cual convergen todos los géneros. En ese sentido la obra fue bien comprendida por el director y supo transmitirlo para sacar un aceptable trabajo de sus actores, estudiantes del segundo semestre de la Escuela Estatal de Teatro que se vieron muy superiores a grupos de mayor trayectoria. No obstante, el montaje lució algo descuidado en cuanto a la producción y sobre todo, se volvió terriblemente cansado luego de pasada una hora, si se hubieran recortado los 50 minutos restantes, seguramente el grupo habría pasado y sobre todo, se hubiera ahorrado el director el vergonzoso reclamo a los organizadores exigiendo un lugar en la Muestra Nacional. Otra obra que perdió la brújula fue Ubu Rey, de Alfred Jarry, presentada por el grupo Nosotros Somos Aquellos, del COBACH 01, bajo la dirección de Enedelia Mata Guerrero. La directora supo sacar provecho de sus muy jóvenes actores y del espacio escénico, así mismo, los elementos técnicos estuvieron al servicio de la puesta, pero desafortunadamente apostó al chiste fácil, a la parodia política sosa y eso motivó la desafortunada declive del trabajo, fuera de ello, también se puede considerar como una de las mejores presentadas.

NOCHE, O LA SoRDIDA CIRCUNSTANCIA DE VIVIR

Cuatro personajes se despojan de la ropa ante nosotros sin el menor toque de erotismo, m?s bien de tristeza. En seguida comienzan a llenarnos los o?dos de frases, aparentemente inconexas, que nos describen su desolado abatimiento.

Noche (titulada originalmente Crave, es decir, ansia) es la segunda puesta del programa de estrenos ?pera Prima, con el que el Rinoceronte Enamorado da bautizo de fuego a dos de sus integrantes; anteriormente coment? en este espacio Cinema Verit?, el trabajo presentado por David Bear y toca en esta ocasi?n al trabajo inci?tico de Ed?n Coronado, quien opt? por una pieza harto complicada.

De entrada, debo se?alar que me toc? ver la obra bajo circunstancia especial, una falla el?ctrica en el Hospital de Cuauht?moc dej? sin luz al teatro del IMSS, por lo que la iluminaci?n se convirti? en un acto de ingenio por parte de los t?cnicos del teatro, que con un m?nimo de recursos proporcionaron la luz indispensable para que pudi?ramos disfrutar del espect?culo.

Esa an?cdota me lleva a la opini?n general de la obra. Me parece muy profesional por parte de la compa??a el haber aceptado dar la funci?n a?n y cuando se enfrentaran a esta falla con tal de complacer al p?blico, y de pasada demostrar que la iluminaci?n no resulta indispensable para que se de el hecho teatral. Pudimos ver entonces un trabajo puro de actuaci?n, al actor ante el p?blico sin el apoyo de los recursos t?cnicos que muchas veces desv?an la atenci?n del trabajo f?sico.

Y la pieza golpea, uno no puede quedarse como distante espectador ante la terrible miseria de los personajes, la mano del director nos lleva frente a ellos y nos deja abierta la opci?n de identificarnos, compadecernos o incluso hasta despreciarlos.

Bien por Ed?n Coronado, que ya en trabajos anteriores hab?a demostrado madera para desenvolverse como director, madera que confirma con este montaje basado en una pieza muy complicada de la dramaturga inglesa Sarah Kane (1971-1999), nihilista, violenta, inc?moda, pero con un tono po?tico irrefutablemente conmovedor.

A Sarah Kane se le ha identificado como parte de la corriente llamada In - yer ? face, tendencia teatral en la que autores j?venes exploraban en temas extremos, generada en Londres en los a?os 90. Su obra se limita a unas cuantas piezas, Blasted, Phaedra��s love, Cleansed, Crave, el gui?n para cortometraje Skin y 4:48 Psic?sis, pieza p?stuma escrita en sus ?ltimos meses de vida y publicada luego de su lamentable suicidio en febrero de 1999.


El texto se complica en raz?n de que no hay en este ning?n tipo de indicaci?n para los actores o el director, con lo que el montaje se convierte en un reto para ambos. Por sus caracter?sticas la pieza podr?a llegar a volverse densa, pero Ed?n y sus actores (Jes?s Coronado, Gabriela Betancourt, Isabel D?vila y Lisandro Cisneros) logran resolverla con una fluidez estupenda. Otro buen debut y el balance de las ?peras Primas del Rinoceronte es por completo positivo.

La temporada continuar? en noviembre los jueves, viernes y s?bados a las 20:30 en el Teatro del IMSS.

DE REFIL?N.
1. ��Oh cruel destino que nos das fines de semana de extrema sequ?a y de repente en un mismo d?a concentras muchas cosas buenas! Acongojado lamento por el hecho de que este s?bado est? plagado de excelentes opciones en el pa?s, nada m?s por destacar tres que sobresalen: a la una de la tarde, dentro del marco de la XIV Feria Internacional del Libro de Monterrey se da un encuentro de genios, Quino y Rius mano a mano y mono a mono, celebrando medio siglo de hacernos gozar con sus historietas. Por si fuera poco, moderar? este encuentro el tambi?n genial Trino. Por su lado, en nuestra humilde aunque bien intencionada Feria del Libro Infantil y Juvenil se presenta a las 12 del d?a en la plazoleta de Aranzazu Yucat?n A Go ? Go, rock del bueno para que sus ni?os dejen de o?r las aberraciones de Tatiana. Y para rematar, a las 8 de la noche en la explanada del Z?calo del D.F. se van a reunir tres mujeres de esas que dejan a uno con la boca abierta por su extraordinaria calidad, para deleitarnos con sus voces; nada m?s y nada menos que Eugenia Le?n, Omara Portuondo y Oumou Sangare.
2. El cartel del VII Festival de M?sica Antigua y Barroca me trae a la mente la etiqueta de alg?n jarabe, no recuerdo cual. Lo que si es cierto es que bien puede pasar a la historia por su fealdad.